本书从一个西方艺术家的视角，以世界名画名家为例，结合自己的绘画生涯，从审美鉴别、画家训练、油画材料，以及色调、色彩和形态等各个方面，论述了西方油画的流派和技法。尤其是作者个人在油画创作历程当中获得的一些专业性很强的心得体会，对于我们的油画爱好者和从事油画创作的人，均具有一定的参考借鉴作用。

01?绪论001

02?现代艺术011

03?绘画技法052

04?画家的训练062

05?色调价值088

06?基础色调练习108

07?色彩131

08?色彩，实用知识151

09?人物写生182

10?色调与色彩设计244

11?材料295

12?绘画创作340

绪?论

培养艺术人才无外乎两条路：教与不教。前一条是用高强度的课程教学来训练艺术需要的才能和感知力，使学生对各种表达的手法运用自如，并养成精准的观察力；后一条是让学生跟随促使他成为艺术家的那种直觉和表达冲动，独自摸爬滚打，直到偶然撞上适合自己的途径。

从这两条路上都走出过杰出的艺术大师。前一条路的风险在于，艺术的学习和从业者可能会因为太过在意创作过程中的技巧性，在其上倾注全部的注意力，从而抑制了自己与生俱来的敏锐感知。而仅仅是表达出天生的敏锐感知这一点，就足以说明这个人为什么选择成为艺术家。艺术家在表达自己之前，必须对技巧手法了如指掌，但逐渐精进自己技法的过程中，可能会沉迷于此，而不去探索新的表达形式。新的表达形式最初总是粗糙的，需要牺牲一些出众的技法。如果对表达的手段过于精益求精，最终往往会表达不出什么实质内容。

后一条路的风险在于，艺术学习和从业者的直觉可能不足以支撑他走得更远。寻求表达出口的艺术之泉会源源不断地喷涌而出，但如果缺少手段，产出的作品可能无法达到很好的效果。不过即使如此，直觉力强的艺术家可以用惊人的速度轻松学会促进表达所必需的手段性知识。

这两条路各有优点，我认为可以把它们结合起来。年轻艺术家对自己做出的各种不成熟的尝试总是心怀顾忌，因此这种尝试通常在进入课程训练阶段时就被搁置一边，而且过去的艺术教学体制也很少鼓励年轻艺术家继续这么做。诚然，做出尝试和探索的过程是教不了的，但只要看到任何真正艺术才能的迹象，无论有多么微不足道，都可以鼓励和赞美学生。年轻艺术家在艺术探索方面的发展不容忽视，而且应该鼓励他继续尝试，既然作为一个艺术家，就去表达自己内心涌动着的画面般的丰富情感；还应该告诉他，探索初期的结果即使磕磕绊绊、尚不成熟也无需介意。

在每一件艺术作品的创作初期，艺术家的头脑中都有一个朦胧的想法——暂时找不到更好的词来形容，姑且称之为“想法”吧。赋予艺术核心想法以合适的形式、色调和色彩，再将它付诸实体，这就是艺术家的工作。艺术家在技法上的训练必然只涉及表达手法的精进，使掌握的手法能够丝毫不差地将艺术想法付诸实体。如今，无需解释也可以得知，所谓的“想法”并不意味着任何可以在文学作品中表达的观念，因为这时艺术是作为一种图解的形式存在。而就艺术家的内心和他的创作成果之间的联系来说，“动机”一词也许比“想法”更合适。人们经常引用文学作为所谓的绘画主题，其实绘画的真正主题并非如此，而是一系列新的想法，通过与形式和色彩建立联系而得以表达，除此之外的任何表达形式都是无力的。这些“想法”的表达会经历很长一段时间断断续续的艰难摸索，但是会随着训练而不断精进，这一阶段万万不可忽视。

有两点学生需谨记于心：第一，只有从训练中学到更符合需要的表达手法时，训练才是卓有成效的；第二，不论表达的技巧手法多么娴熟，只有能够更传神地表现触动心灵的感悟时，技巧手法才富有意义。假若学生在透彻理解这两点的基础上，能在天马行空的想象力引领下恣意发挥，而且这一过程不受训练时间干扰的话，那么全面透彻的训练进程便谈不上存在什么风险。这样做的好处是非常可观的，因为无论直觉强烈与否，单凭熟练掌握绘画技巧这一点，便足以让人有能力创作出完整的艺术作品。但人都有些许懒惰，希望事情能被安排妥帖，况且，完成导师布置的任务远比有感而发的创作轻松得多，也更有可能获得亲朋好友的赞叹。但不要被误导，因为学校教学代替不了源于内心、自然生发的表达冲动。

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